Yo solo sigo pintando (entrevista)
Entrevista al artista plástico Álvaro Olivera (Rosario, Colonia, 1985).
Por Pablo Scagliola
Lo
primero que impacta al enfrentarse a tus obras es la solidez técnica con las
que fueron ejecutadas. Parece que no hubiera centímetro del cuadro sin estudiar
y elaborar concienzudamente. ¿Cómo ha sido tu formación para alcanzar
ese grado de acabado de la obra? ¿Hay una forma de concebir la obra detrás de
esta forma de pintarla tan pulida?
Gracias por el comentario. Participé de algunos talleres en Rosario desde muy
chico; también hice Bellas Artes. Siempre he estado dibujando y pintando, por
lo que en gran parte mi formación es también autodidacta. Encuentro varias
formas de concebir una obra, con procesos y resultados diferentes.
¿Cuáles son tus referentes artísticos?
Han aparecido referentes en todas las etapas, no solo en pintura. La lista
sería muy extensa, aburrida y principalmente injusta.
En cuanto a tu proceso creativo, ¿tenés rituales cotidianos que te ayuden a
prepararte para pintar? ¿o se trata más bien de una actividad más errática?
¿Cómo es?
En parte puede ser errática, en el sentido de que no tengo rutinas para pintar.
El proceso varía según lo que me interese hacer. En algunos casos trabajo en
cuadros que pueden requerir de mucho tiempo, ya sea por la dificultad técnica
y/o de contenido; en otras oportunidades tengo la necesidad de hacer cosas más
rápidas y espontáneas.
En tus pinturas se pueden observar por lo menos dos líneas claras de trabajo.
Una que se acerca más a la pintura tradicional, realista, donde destacan las
naturalezas muertas y los retratos, de un realismo intenso. Otra línea
distinta, donde las obras parecen reunir distintos estilos, como una especie de
collage estilístico. ¿A qué responden estas dos formas de pintar?
Sí, hay como dos formas en ese sentido, que tienen diferencias notorias y en
algunos aspectos he sentido que hasta pueden ser opuestas. Esos dos caminos se
han ido alternando en los últimos años. Las motivaciones son distintas, y me
pueden atrapar por igual. El realismo en pintura siempre me ha resultado
estimulante, principalmente por el empleo de la técnica y el desarrollo
perceptivo, se me presenta como una práctica a modo de ejercicio, una necesidad
que nace (entre otras cosas) de la voluntad por adquirir herramientas del
oficio. En la segunda línea, donde aparecen como decís diferentes estilos reunidos,
ahí el empleo de los elementos plásticos y estéticos es totalmente diferente.
La figuración termina por ser saturada, desde las figuras representadas y el
empleo de los elementos plásticos. Hay mucho caos en eso, y la satisfacción ha
estado en intentar conseguir al menos que funcione visualmente.
En esta segunda línea de trabajo, se destaca tu uso del color. Se perciben
reminiscencias del “planismo” uruguayo. ¿Existe una relación? ¿Cómo razonás el
uso del color? ¿Tenés referentes a la hora de aplicarlo?
Hay en esa línea una intención planista, de ruptura de lo espacial, de la
perspectiva y de la atmósfera. Pueden aparecer algunas reminiscencias con el
planismo uruguayo, es una corriente que siempre me ha atrapado. No he trabajado
en esta línea en forma de estilo, más bien me interesan ciertos elementos como
el color y el manejo de la forma. El color está usado en este caso para
evidenciar el plano y llevar al mínimo la sensación de profundidad. No hay una
intención de generar estados emocionales en el empleo del color. Más bien se
disponen en función de lo plástico.
También destacan en estas obras las temáticas íntimas. ¿Qué te movió a
pintarlas?
Son cosas que van apareciendo. Si algo me interesa y estimula a representar no
me detengo en el significado, me concentro en la imagen y el resto surge por
añadidura. No por esto es menos importante, por el contrario. Tampoco lo veo
desde un lugar intimista, más allá de que el resultado pueda parecer muy
personal en su temática. Esa visión de lo íntimo es algo que ha cambiado mucho
en los últimos años. En el fondo la creación termina hablando del autor, más
allá del contenido. Trato de evitar elementos que tengan un peso simbólico, que
digan desde ese lugar. Me gusta que en una imagen aparezcan diferentes elementos
llevados casi al mismo plano de importancia y significado. Tampoco hay un
interés narrativo, como si de la imagen se pudiera deducir un relato. Me
interesa que desprenda cierta tensión vital.
¿Cómo es el proceso de realización de una de estas obras? ¿Tenés etapas ya
pautadas? ¿Es más bien caótico? ¿Qué importancia le das a la composición?
La composición es un elemento importante en la expresión y está presente en
todo el proceso. En ocasiones comienzo a bocetar partiendo de tramas
geométricas o abstracciones, para luego irlas figurando. No tengo etapas
pautadas, más que las necesarias. Los bocetos te pueden dar una idea, pero en
mi caso es mínima; en ellos me concentro principalmente en la composición, el
dibujo y la forma. A la hora de pintar aparecen varios problemas ya que el
color puede romper toda esa estructura, sumado al tamaño y empleo de
materiales. A partir de ahí es que voy encontrando soluciones y aparecen cosas
que no tenía previstas.
El contexto artístico ha cambiado en las últimas décadas, fundamentalmente para
los pintores, con el lugar cada vez más prominente del denominado “arte
conceptual”. ¿Considerás que ha desplazado a la pintura de los centros
artísticos? ¿Te afecta personalmente en tu trabajo?
Sí, es verdad que ha desplazado a la pintura de ciertos espacios. Por ahí en una
muestra de arte es difícil encontrar pintura, y cuando aparece pareciera que
estuvieran cumpliendo un requerimiento de cuotas, pareciera que no existiera,
que no hubiera personas haciendo eso. Y salís a la calle y te encontrás con
pinturas de todo tipo. La legitimación varía según el contexto. No es algo en lo que pienso a la hora de pintar.
Sin duda que la pintura y el “arte conceptual” tienen diferencias profundas.
¿Qué opinión te merece la concepción de la muerte de la pintura, por
considerarla caduca frente al “arte conceptual”? ¿La pintura puede aún tener
protagonismo en este contexto?
Son formas distintas, y más allá de esas diferencias profundas también existen
o pueden existir puntos de encuentros. Hay que ver qué se quiere decir y cómo,
ambas formas son legítimas, entre otras. La pintura sigue teniendo un
protagonismo importante, no considero que se tenga que esforzar por
posicionarse en un contexto que de fondo demanda otras cosas.
¿Cuáles son tus proyectos artísticos a futuro? ¿Te planteás metas a alcanzar o
vas descubriéndolas en el camino?
Siempre me ha costado estructurarlo a modo de proyecto. De momento sigo
pintando.
Pintura: Autorretrato (óleo sobre lienzo).
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